VECINOS SOLIDARIOS EN QUILMES

Quería invitarlos a ver el video del comedor Vecinos Solidarios de Quilmes, que estuvimos filmando hace unos días en mi tierra natal. Si puedan ayudar de algún modo, donando alguna ropita o algún juguete (principalmente porque se acerca el día del niño), desde ya estos nenes y todos nosotros vamos a estar más que agradecidos. :)

Acá les paso el link del video:

http://www.youtube.com/watch?v=cO2riZPxHyw

Gracias a todos, y al menos si es posible les pido de reenviar el mail, como dicen en el video, si alguien puede o quiere colaborar "cuantos más seamos, mucho mejor"

Les mando muchos cariños!

Yanina Mc Kerlie

yaninamck@yahoo.com.ar/ ymckerlie@hotmail.com

www.yanimckerlie.blogspot.com

POST PELHAM

Mensaje de Gustavo Rejan:
Con respecto a Tony Scott me parece que se enamoró de la Panavison Genesis HD y la F23 Sony HD. Desde que las decubrió (entre varias que tiene 35 mm también obvio) y le da power power y much power.
Hace un tiempo ví un documental muy interesante en el cual muchos cineastas modernos y no, hablaban sobre la "influencia de la publicidad en el cine"

"Nadie la negaba" (para bien ó para mal) desde Ridley y Tony Scott, Sam Raimi, David Fincher, Tim Burton entre otros.

Por ahi inventé alguno, pero los hermanos Scott estaban.

El cine cambió, desde hace un tiempo a esta parte. Y los modernosos, son considerados publicistas de largometraje,

por la crítica especializada en Europa y USA, que no se ponen de acuerdo, si es una crítica ó un halago, si les gusta ó nó. . .

Pero tenés razón a Tony se le vá la mano. Siempre me pregunto cómo filmaría el Ansia hoy. . . ej. (cuando la Sarandon se deja seducir por la Denueve, aceptando una copa de alcohol, aprendiendo de arte y escuchando música) como un comercial de Licor afrancesado??? jejeje!!! Tony. Largá la cámara que no sos tu hermano en Gladiador!!!

Con respecto a los desubicados. NADA PEOR QUE ME PATEEN EL RESPALDO DE LA BUTACA!!! Los retás y cómo si nada de nada de nada.

Se ponen a hablar, morfan pochoclo, hacen ruido chupando los hielos con la pajita. ay ay ay !!! No sé que localidad sacar (SI ESTÁS RODEADO DE TODOS LADOS) Y lo más alarmante es, que no tienen edad (hace diez años eran los pibes) ahora los mayores y podría decir viejos, también cayeron en: Me chupa un huevo el prójimo!!! PERO de qué nos quejamos!!! si no nos respeta el gobierno, El Indec, los piqueteros y los perros diarreicos (por dar ej. disímiles) Cómo nos quejamos de espectadores insufribles!!!

Pero Leandro ¿No estaremos pidiendo demasiado?

Ay ay ay Argentina, cuando subirán los cultos al poder? y digan sólo una palabra: RESPETO

Abrazos a todos los amigos del Blog de Gustavo Reján.

DIARIO DEL AÑO DE LA PESTE

Podría detenerme largamente en las calamidades de aquellos días terribles y continuar describiendo lo que veíamos a diario: las horrorosas extravagancias a las que los enfermos eran arrastrados por el delito, las calles ahítas de cosas pavorosas, las familias que se convertían para ellas mismas en un objeto de terror. Pero después de haber contado que un hombre atado a su cama, al no hallar medio alguno de liberarle, le puso fuego a ésta y se quemó vivo, y que otro hombre bailó y cantó desnudo por la calle, como en éxtasis, de insoportables que eran sus tormentos, ¿qué puedo agregar? ¿Qué puede decirse para representarle al lector, de una manera viva, las miserias de aquellas horas, o para darle una idea más cabal de un infortunio que llegó al paroxismo?

DIARIO DEL AÑO DE LA PESTE,
Daniel Defoe

DANIEL DEFOE Y EL DIARIO DEL AÑO DE LA PESTE

Según el historiador Francesc Cardona, la peste fue identificada desde la antiguedad con uno de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis. Indudablemente, es la enfermedad infecciosa que más muertes ha provocado en la historia de la humanidad, desde la primera pandemia registrada en el año 542 D.C., durante el Imperio Bizantino de Justiniano, que causó millones de muertes, pasando por la Peste Negra del Siglo XIV que afectó todo Europa, hasta la actualidad con la multimediática Gripe A. En el medio, hubo otra epidemia que afectó a Londres en 1665, y que muchos años después fue retratada por el escritor Daniel Defoe en su novela, "Diario del año de la peste".

Defoe había nacido en Londres, probablemente en 1660. Su padre era un candelero que profesaba el puritanismo en una época de fuerte reacción contra esa disidencia protestante.
Desde 1681, Defoe se dedicó al comercio viajando por España, Italia, Francia y Alemania.
En 1683, instalado en Londres, compró un negocio de mercería. Al año siguiente, se casó con una rica heredera llamda Mary Truffley.
Defoe se sentía opositor a las ideas católicas y absolutistas del rey Jacobo III, y fue así como se dedicó a conspirar contra el rey (1689-1701) y colaboró con el advenimiento de Guillermo III. El activismo político de Defoe se ve reflejado en las más de treinta obras que publicó en defensa del nuevo régimen (poemas, novelas, etc.)


El reinado de Guillermo III terminó en 1702, y llegó el turno de la reina Ana, quien volvó su apoyo a la Iglesia nacional de Inglaterra. Defoe defendió a los puritanos en su libro "El medio más eficaz contra los disidentes". Fue encarcelado al año siguiente, además de ser expuesto a la picota durante tres días. El hecho le inspiraría a escribir su "Himno a la picota", de 1704.
En los años siguientes, Defoe puso todo su esfuerzo y talento en el activismo político. Tambien, trabajó como agente secreto.
En 1719, a los sesenta años, Defoe publicó su célebre novela "Vida y extrañas y sorprendentes aventruas de Robinson Crusoe de York, navegante". Todos conocemos este libro, simplemente, como "Robinson Crusoe". El enorme éxito literario de esta obra lo incentivaron para escribir dos continuaciones. En los años siguientes, siguió escribiendo apasionadamente, hasta completar un total de quinientos sesenta títulos de temas variadísimos.
Cuenta Cardona que Defoe fue criticado, en numerosas ocasiones, por su superficialidad y oportunismo, por aprovecharse de temas morbosos y por su afán de ganar dinero con cada de sus obras. Dejando a un lado su personalidad inescrupulosa, Defoe representó la nueva fuerza de la burguesía inglesa, que pronto dominó el mundo. Muchos lo consideran el padre de la narrativa realista moderna y del periodismo, aunque otros prefieren atribuir esa paternidad a Henry Fielding.

ENEMIGOS PUBLICOS, sólo en cines

¿Hay algo nuevo que podamos decir sobre Michael Mann sin ser reiterativos? Este tipo es un artista en serio, poseedor de un estilo envidiable, dueño de una obra admirable. Es un artesano del cine, y sus películas siempre son enérgicas, vibrantes, contundentes. Sus personajes siempre son hombres obsesionados con sus profesiones, con su afán por ser mejores, con su extrema dedicación.

Nos maravilló con "Fuego contra fuego", "El Informante" y "Colateral". Y ahora vuelve con todo, con una apuesta fuerte, nada más ni nada menos que la vida John Dillinger, aquel legendario ladrón de bancos de los años ´30.
"Enemigos Públicos" es una gran película, destinada a convertirse en un clásico. Las actuaciones de Johnny Deep, Christian Bale y Marion Cotillard son intensas y apasionadas, pareciera que nacieron para representar a estos personajes.
Un filme moderno, con mucha cámara en mano y un ritmo acelerado, pero afortunadamente, para Michael Mann ser "moderno" no significa mover la cámara a cada rato y sin sentido, cortar por cortar, hacer publicidades o videoclips dento de la película. No, Mann está muy por encima de todo eso.
Me sorprendió la sobreabundancia de primeros planos en este filme. La cámara de Mann se pone en cima de los personajdes todo el tiempo, generando por momentos un aire de delicada intimidad, un acercamiento al documental.
De algo podemos estar seguros, los tiroteos de Mann tienen una fuerza y una violencia que no podremos encontrar en otros filmes.
¿Qué más podemos decir sobre "Enemigos Públicos"? Es Michael Mann es su máximo estado de pureza, y eso es una bendición para todos los cinéfilos.

FLAME & CITRON

A veces, en el cine se generan ciertas tendencias. No se trata de modas, sino de casualidades o caprichos del destino. Por ejemplo, pareciera que muchos directores se han puesto de acuerdo para estrenar películas sobre la resistencia durante la 2º Guerra Mundial.
En los últimos años, presenciamos el desembarco de unas cuantas películas sobre la 2º Guerra; algunas maravillosas como "Rescatando al soldado Ryan" o "La delgada línea roja"; y otras olvidables, como "Pearl Harbor" y "Windtalkers". Todas tenían un eje en común: grandes batallas, grandes superproducciones.
Bueno, las películas sobre la 2º Guerra que llegaron y seguirán llegando este año son diferentes. Como dije en un principio, tratan sobre la resistencia: un grupo de hombres nobles luchando contra una gran fuerza que los supera.
Tenemos el caso de "Operación Valkyria", de Brian Singer, estrenada a principios de año, sobre la valiente gesta de un grupo de oficiales nazis que se propusieron asesinar a Hitler.
En agosto, llegará "Inglourious Bastards", de Quentin Tarantino, sobre la resistencia en Francia.

En el medio, muy escondida y casi desapercibida, tenemos una joya del cine danés llamada "Flame & Citron".
Flame y Citron son los seudónimos de dos héroes de la resistencia danesa durante la ocupación nazi. Es difícil describir esta película pero, sin temor a exagerar, podría clasificarlo como "un film poético cargado de violencia".
Flame es un muchacho enérgico, con convicciones fuertes y una carismática personalidad.
Citron (que recibió ese nombre porque trabajaba en la fábrica de Citroen) es un hombre enfermizo, palido, con un matrimonio a la deriva, que se pasa noches enteras sin dormir en su obsesion por luchar contra los nazis.
La amistad y la camaradería entre ambos personajes es digna de los mejores westerns. Misoginia pura.
Podemos decir que se trata de un film centrado en la psicología de estos dos héroes torturados, sus dilemas, sus inseguridades, y los confictos que tienen que enfrentar.
El director se llama Ole Christian Madsen, y los protagonistas son Thure Lindhart (como Flame) y Madds Mikkelsen (como Citron).
Un detalle al margen: "Flame & Citron" (o como dirían los daneses, "Flammen og Citronen") es la película más taquillera en la historia de Dinamarca. Y Mikelsen (a quien muchos recordamos por su papel de villano en "Casino Royale") es uno de las estrellas más importantes del nuevo cine danés (les recomiendo verlo en "After the wedding", de Susanne Brier).

VIDEO STORYBOARD KMKZ (Fragmento)

CRIATURA DE LA NOCHE

LET THE RIGHT ONE IN, por Gustavo Di Virgilio
Si bien hay pocas pelis que cuando uno las ve, siente que las quisiera haber hecho pero alguien más se le adelantó (piénsenlas, no son muchas, para mí no más de diez, incluyendo Tiempos Violentos, Sexto Sentido, El Protegido, Sin City, Taxi Driver, Ciudad en Tinieblas y no muchas más), ayer vi una que sería como mi sueño de las películas de horror.

Si bien en marzo se estrenó Watchmen, y yo realmente creía que ninguna película iba a alcanzar, más allá de su ampulocidad y gigantismo, la profundidad de la historia y como está contada, el cine (¡como siempre, gracias a Dios!) me dio una lección anoche.

Se trata de (muy mal puesto el nombre en la Argentina, siempre pensando en llevar más gente a verla) "Criatura de la Noche-Vampiros" (que en su sueco original se llama igual que su nombre en inglés, "Let the Right One In" ó "Deja Entrar al Correcto" -o al elegido-. En España le pusieron "Déjame Entrar", mucho más certero título que la inmundicia argentina. Obviamente se trata sobre el hecho de que un vampiro no puede entrar a tu casa sin tu consentimiento).

Ahora, por qué esta peli es tan excelente. Vamos muy rápido. Es una historia en una conglomeración sueca, todo nevado -más que Fargo, lo cual es mucho-, en donde un joven niño de 12 años, Oskar, que tiene problemas con unos abusones (es increíble que una película pueda tener abusones sin caer en el lugar común!!!!!) y en su casa mucha bola no le dan (vive con la madre, separada del padre al que ve cada tanto y es ¿homosexual?). Pero cuando a la noche sale al patio del edificio se ve con su nueva vecina, también de 12 años. Ella se ve ajada, avejentada (como toda la película. Uno no sabe si la peli pasa en los '70, todo parece un homenaje a pelis de terror de esa década, desde "La Profecía" hasta "El Bebé de Rosemary"; el peinado de Oskar, los ambientes de la casa, los trenes, los climas tensos de una filmación clásica). A la larga descubrimos que la pequeña sobrevive a base de sangre.


Bueno, pareciera que la peli se parece a cualquier otra de vampirismo. Pero les aseguro que se trata de una peli que ocurre de día para hablar de la oscuridad del hombre. Y que ocurre de noche para hablar de aquellos aspectos iluminadores del género humano. Traza una dicotomía avasallante con muy poco (más allá de unos efectos especiales muy logrados, que no son muchos y están siempre muy por detrás de la historia, siempre al servicio de la relación del los chicos).

Y justamente ese aspecto de la peli es lo que la convierte en una obra mayúscula: trata sobre una edad de ruptura, límbica, los 12 años de los dos protagonistas, el descubrir no solo el amor, sino la sexualidad del otro (hay planos que a uno lo dejan boquiabiertos, no por su contenido, sino por lo que expresan). Una relación entre los dos chicos que hace a uno no poder cerrar los ojos ni correr la mirada de estos dos niños (al borde de su niñez), mientras se preguntan si "van en serio" en su relación. Los actos de amor a los que se someten, y aquel acto que le da nombre al título.

No hay palabras para explicar esta peli. Simplemente hay que decir que se estrenará en cines en breve, y si tenemos la suerte que salga en fílmico, hay que ir a verla (seguramente el tiraje de copias sea vergonzoso, pero rezemos que se estrene en su relación original, 2:35,1, ya que esta sensación "Cinemascope", es utilizada para un uso del foco y la profundidad de campo como hace mucho no veo).
El solo hecho de que esta peli se estrene en la Argentina, nos tiene que colmar de alegría.

Vayan a verla, ya que es una de las mejores pelis que vi en mi vida. Y si me conocen, saben que eso es mucho.

NOVELAS GRÁFICAS EN ARGENTINA

Daniel Divinsky es considerado un Editor Mítico, y las razones son obvias: desde hace décadas, está al frente de Ediciones de la Flor, donde se publicaron todos los trabajos de Quino, Fontanarrosa, Caloi y tantos otros dibujantes.
Hace poco, Divinsky se reunió con el escritor y editor Juan Carlos Kreimer,y comprobaron que en Argentina hay una gran escacez de novelas gráficas. Por suerte, decidieron hacer algo para revertiresta lamentable situación.
Divinsky y Kreimer ya anunciaron la compra de derechos del clásico de Ray Bradbury, "Farenheit 451", que se publicará en Estados Unidos en septiembre. Se estima que la publicación en Argentina se realizará en abril de 2010.
Luego llegará el turno de la adaptación gráfica de "El Extranjero", de Albert Camus, con guión del propio Kreimer.
El tercer título no precisará adaptación porque ya nació como novela gráfica. Se trata de "El hipnotizador", de Pablo de Santis y Juan Sáenz Valiente.
Por último, la gran sorpresa editorial: "Los dueños de la tierra", de David Viñas, cuya adaptación se ha confirmado en estos días.
Valdrá la pena esperar.

THE TAKING OF PELHAM 1 2 3

No es nada del otro mundo, no es la mejor película del año, no te voy a decir que salgas corriendo a verla. Aún asi, es una buena película que cumple con lo que promete: una historia de acción y suspenso, con mucha adrenalina en algunas escenas, y un final que (si bien es un poco previsible) no llega a defraudar.
Ahora bien, creo que Tony Scott tiene que decidirse: es un director de cine o es un director de videoclips. Muchas escenas de este film están editadas como si se tratara de un comercial. Por momentos, resulta un poco molesto.
Denzel Washington está impecable, como siempre. Y es un honor ver a John Travolta, otra vez, componiendo un personaje a su altura: un villano lleno de matices, carismático y temerario. Es una buena noticia, realmente, porque en los últimos años Travolta no supo elegir bien sus papeles. Esperemos que esta película sea el inicio de una nueva etapa en su carrera y no una excepción.
Detalle al margen: hasta ahora me estoy conteniendo bastante, pero llegará un momento en que mi paciencia alcanzará su techo y explotará la violencia. No soporto a todos esos imbéciles que van al cine para comer pochocolos, chequear mensajes en sus teléfonos o hablar sobre estupideces. Los espectadores-desubicados son una raza que crece día a día, es necesario hacer algo para detener este avance...

APOCALYPSE NOW!

“VIAJANDO AL CORAZON DE LAS TINIEBLAS”

30 AÑOS DE APOCALYPSE NOW (1979-2009), por Federico Sidañez

Vemos la jungla frondosa y exhuberante, los árboles oscilando suavemente con el viento. Se escucha un extraño sonido siseante y rítmico y empiezan a sonar los primeros acordes de “The End” de The Doors. Algo (¿un helicóptero?) pasa volando por el costado superior de la pantalla. Continúa el sonido cansino y embriagador de la música. Entonces la jungla estalla y se convierte en una montaña infernal de fuego. Todo el verde, toda la vida, consumida en segundos por una llamarada monstruosa.
La voz de Jim Morrisson se escucha: “Este es El Fin. De todos nuestros cuidadosos planes. No hay seguridad ni sorpresas. El Fin. No volveré a mirar tus ojos, nunca mas”.


Francis Ford Coppolla se basó en la novela “El Corazón de las Tinieblas” de Joseph Conrad para realizar una obra existencialista, ambiciosa, desmesurada, pesadillesca y de a momentos divertida (esa diversión nerviosa que nos genera presenciar la locura inexplicable).
Pocas veces en la historia el cine fue capaz de explorar y expresar con tanta inspiración los limites de la mente humana y el terror metafísico. Hay algo esencial es Apocalypse Now, algo que tiene que ver íntimamente con el hombre y su naturaleza destructiva, pero es imposible explicarlo con palabras, y es justamente eso lo que la convierte en una sublime Obra de Arte. La posibilidad de transmitir una idea tan abstracta como el alma.


“Esperaba ansiosamente una misión y, por mis pecados, me dieron una” narra en off el Capitán Willard (Martin Sheen) a quien lo envían, en medio de la guerra de Vietnam, a asesinar al Coronel Kurtz (Marlon Brando). Lo extraño de esta misión es que Kurtz es uno de los suyos, un militar norteamericano con un excelente historial de servicios a su país, que ha demostrado durante muchos años ser un brillante estratega y al mismo tiempo un hombre bueno y humanitario. Pero por algún motivo la locura comenzó a envenenar su mente y empezó a operar fuera del control del ejercito, masacrando a civiles perdiendo todo contacto con sus comandantes.
Willard tendrá que viajar al centro de la jungla Vietnamita en busca de Kurtz y se sumergirá en el corazón de la guerra, la locura y el sinsentido. En su tour de force se cruzará con el vietcong, con un demente e inolvidable Coronel Kilgore (Robert Duvall) que obliga a uno de sus hombres a surfear en plena batalla (¡sí, surfear!), con prostitutas enviadas al frente para asistir a los soldados, con shows eróticos para levantar la moral de la tropa que terminan mal, con hombres que están perdiendo la cabeza y una gran gran secuencia de bombardeo al son de la “Cabalgata de las Valkirias” de Wagner (“¡A mis chicos les encanta y hace cagar de miedo al enemigo!”, grita Duvall).


En el camino, nosotros junto a Willard, vamos perdiendo nuestra brújula a medida que nos sumergimos en el mas puro caos. Especialmente cuando llegamos a la aldea donde habita Kurtz rodeado por unos indígenas que lo adoran como un dios y obedecen cualquiera de sus ordenes, y Brando le aporta una presencia fascinante a su personaje.
Para realizar este film Coppola hipotecó todas sus propiedades, tuvo un infarto, sufrió retrasos enormes cuando uno de sus sets fue destruido. Para el, la obra era mas importante que su propia vida. Arriesgó todo, cargó a fondo, a todo o nada. Y salió victorioso, ya que la película fue un éxito absoluto de critica y publico.
Solo por eso el bueno de Francis merece, como mínimo, que todo aquel que esté leyendo esto y no haya visto este film, lo haga ya mismo. ¡Esta noche!. Y en plena oscuridad.
Es importante aclarar que existen dos versiones: “Apocalypse now” que fue la que originalmente se estrenó en 1979, de 153 min., y “Apocalypse now redux” (o “re-editada”), una versión extendida de 202 min. que es recomendable solo para fanáticos.

WATCHMEN

WATCHMEN, según Federico Sidañez

Ya podemos decir que el auge de la adaptación cinematográfica de cómics ha alcanzado su clímax. Luego de varios años con muchos films mediocres (Ghost Rider, Daredevil, Constantine) y algunos realmente buenos (X-Men, Spider Man, Iron Man) en el ultimo año tuvimos el privilegio de asistir a dos ambiciosas obras maestras: “Batman, El Caballero de la Noche” y “Watchmen, Los Vigilantes” (debería incluir a la gran “Hellboy 2” también).
Los “Watchmen” son un grupo de ciudadanos que han adoptado identidades alternativas para combatir el crimen, solo uno de ellos tiene superpoderes: el llamado Dr. Manhattan, personaje que nos genera un planteo filosófico: ¿Qué sucede con la mente de un hombre cuando es todopoderoso?”. Con la ayuda de estos héroes, EE. UU. gana la guerra de Vietnam y Richard Nixon se perpetua en el poder. Años después y a causa de protestas y cuestionamientos de los ciudadanos, los Watchmen son prohibidos por el gobierno y cada uno vuelve a su vida anónima. Pero el violento asesinato de uno de ellos, conocido como “El Comediante”, hace que algunos integrantes del grupo comiencen a investigar.


El comic creado por Alan Moore y dibujado por Dave Gibbons en 1986, una historia de estructura compleja que incluye sátira política, épica, heroísmo, violencia y planteos filosóficos y morales, es finalmente llevado al cine luego de varios intentos fallidos por el director Zack Snyder (el mismo de “El Amanecer de Los Muertos” y “300”), que tiene un indudable talento visual, encuentra y transmite vigorosamente el eje de cada escena y el corazón de cada personaje. Y que sabe cuando cruzar la línea del “apto para todo publico” y lo hace sin concesiones.
La magistral secuencia de títulos iniciales, con “The times they are a changin’” de Bob Dylan sonando, produce una extraña sensación de nostalgia, una que nos dice que así como una vez existió un grupo de superhéroes que ahora son cosa del pasado, también hubo una época en la que creíamos en algunos ideales. Ideales que se han corrompido pero que, aunque sea en forma infructuosa y en contra de la corriente, tenemos que recuperar. Pero también ideales que tienen sus zonas oscuras, ambiguas y salvajes. Adjetivos que le caben perfectamente a esta gran película.

SONRISAS Y LAGRIMAS, sólo en cines

Esta semana se estrena en Argentina una muy linda película italiana llamada GIORNI E NUVOLE ("Dias y Nubes", aunque aquí será traducida como "Sonrisas y Lágrimas").
¿Qué podemos decir sobre esta película? Es algo así como una historia de amor en tiempos de crisis financiera mundial. Tenemos un matrimonio con una muy buena posición económica que de repente ven como se viene abajo su bienestar y tienen que acomodarse, como pueden, a las circunstancias.
Segun el director, Silvio Soldini, la propuesta es reflejar "el estupor de una pareja ante el derrumbe de sus vidas y de sus certezas".
El interrogante es contundente: ¿cómo seguir adelante cuando todo a tu alrededor se derrumba? ¿Cómo sostener una relación cuando desaparece todo lo que la sostenía? ¿Cómo repecute una crisis económica en una relación sentimental? Bueno, aunque parezca un lugar común, la idea central del film es que el amor, en las buenas y en las malas, le da sentido a nuestras vidas.
Excelentes actuaciones (sobre todo Margherita Buy), una dirección precisa, y una sensación de "a todos nos puede pasar".

SPINAL TAP

El lunes 20 de julio, Día del Amigo, me reuní con Federico para cenar y mirar una película de culto (THIS IS SPINAL TAP). A continuación, un artículo escrito por mi camarada sobre esta impresionate e imperdible película:

A 25 AÑOS DE “THIS IS SPINAL TAP”, por Federico Sidañez
¿Que tiene esta peliculita que filmó Rob Reiner en 1984 para haberse convertido en un film de culto recordado con divertido afecto por cualquier amante de la música y especialmente por quien alguna vez haya estado en una banda de rock?. El genero del falso documental ha estado apareciendo y desapareciendo a ratos perdidos desde los comienzos del cine. Enseguida viene a la mente el díptico de Woody Allen compuesto por “Robó, Huyó y lo Pescaron” (1969) y “Zelig” (1983), también películas como “Holocausto Caníbal” (1980) que pretendían escandalizar al espectador con imágenes supuestamente reales. “The Blair Witch Project” (1999) trajo de vuelta a este genero y en los últimos años vimos las muy buenas “Cloverfield” (2008) y “Rec” (2007).
Mas que hacernos pensar que lo que sucede en la pantalla es real, “This is A Spinal Tap” comparte con los dos films de Allen la idea de buscar la complicidad del espectador y jugar con esa premisa de “realidad” para contarnos una historia desopilante. Spinal Tap es un grupo de rock que cumple con el ABC de los clichés de una banda: cantante pelilargo con carisma, guitarrista virtuoso dueño de la mística, canciones que solo versan sobre demonios, sexo, y rock and roll, y la nueva novia con delirios místicos del cantante que empieza a meterse en el estudio y genera discordia en el grupo (¿algún fan de los Beatles por aquí?).


Seremos testigos del ascenso, separación y resurrección del grupo. El film esta repleto de secuencias que se ríen con afecto del mundo del rock y que plasma a los integrantes del grupo como unos descerebrados con buenas intenciones. Memorable es la secuencia en la que el grupo se pierde en el camino desde los camerinos al escenario. Impagables los flashbacks que muestran cuando el grupo era hippy en sus orígenes. Aquí está el claro antecedente de la comedia moderna cuyo jefe actual es Ben Stiller. Lo que nos hace querer esta película es la ternura que nos generan los personajes, porque “This is Spinal Tap” es sobre la amistad simple y honesta, y sobre el fuego que estos muchachos llevan dentro. Y sobre bateristas que explotan en el escenario (“la combustión espontánea es algo muy común, pero los medios no hablan de eso”).
Lo mas increible es que la llamada “Banda mas ruidosa de Inglaterra” saldrá de gira este año con todos sus integrantes originales para celebrar los 25 años de este Rockummentary. ¿Les hace falta algo mas para salir corriendo a buscar este film?. ¡Junten a sus amigos! ¡Miren, escuchen, vibren, sonrían!.

PARADOJA CAPITALISTA

Texto aportado por José Martínez Suárez.
Un diálogo emblemático en una familia minera de la Inglaterra del siglo XIX retrató la esencia insuperablemente contradictoria del capitalismo:

"Por favor, enciende la estufa", reclamó el niño que tenía frío. "No puedo –respondió su madre– porque falta carbón". "¿Por qué?", preguntó su hijo. "Porque a tu padre lo despidieron de la mina, no cobró su jornal y no podemos comprar". "¿Y por qué lo echaron, mamá?" "Porque sobra carbón".
Anónimo

EL AVISPÓN VERDE - Series clásicas de TV

Cuando pensamos en THE GREEN HORNET (El Avispón Verde), obviamente pensamos en la serie de televisión de los 60, claro. Pero este personaje tuvo un desarrollo previo en la radio, los seriales cinematográficos y los comics.

El debut del Avispón se produjo en una serie radial el 31 de enero de 1936, y se mantuvo exitosamente en el aire hasta 1952.
Su creador fue George Trendle, responsable tambien de El Llanero Solitario y el Sargento Preston. Hay un detalle interesante: Britt Reid (verdadero nombre del Avispón) era el sobrino nieto de John Reid (el hombre tras la máscara en El Llanero Solitario).
En 1940, Universal lanzó dos seriales cinematográficos: el primero se tituló "The Green Hornet" y contó con 13 episodios protagonizados por Gordon Jones (Avispón) y Keye Luke (Kato). El segundo se tituló "The Green Hornet Strikes Again", y contó con 15 episodios protagonizados por Warren Hull (Avispón) y Keye Luke otra vez como Kato.
Estos serieales se mantuvieron fieles al estilo de las producciones de la época: suspenso, acción, explosiones y cliffhangers (ganchos para atrapar al espectador y obligarlo a ver el próximo episodio).
El Avispón también participó en diversos comics: seis números de la editorial Holyoke (1940/1941), las revistas Harvey Comics (1942-1949) y un ejemplar de Dell Publications (1953).

A mediados de los 60, el equipo de producción encabezado por William Dozier lanzaron al aire la serie Batman (1966-1968), que tuvo un éxito inmediato, y esto los motivó a buscar otro héroe de similares características. La elección fue, obviamente, el Avispón Verde.
La serie debuto el viernes 9 de septiembre de 1966 en ABC, en un formato de media hora.
Por una cuestión de derechos, el parentesco familiar entre el Avispón y el Llanero nunca fue mencioando.
La historia de la serie se mantuvo fiel al diseño del personaje que ya había sido probado con éxito en la radio, los seriales y los comics: Britt Reid (personificado por Van Williams) es el acaudalado dueño y editor del diario Daily Sentinel y propietario de un canal de TV. Por las noches, combate el crimen disfrazándose de El Avispón Verde, junto a su mayordomo y chofer Kato (representado por el legendario Bruce Lee). Las únicas personas que están al tanto de esta doble identidad son el fiscal de distrito Frank Scanlon y su secretaria Leonore Casey Case. Otro personaje importante es el periodista del Daily Sentinel, Mike Axford, que encabeza una cruzada en contral del Avispón sin saber que el editor del diario para el que trabaja es quien se esconde tras el antifaz.


Inevitablemente, siempre se ha comparado al Avispón con Batman. Pero vale resaltar que las diferencias son notorias. Batman (al menos en la serie televisiva de la misma época) era reconocido por la sociedad en su rol de paladín de la justicia, querido por el pueblo y amado pr los niños. El Avispón, en cambio, pertenece al bajo mundo del combate y es tomado por un criminal por sus métodos tan extremos; no tiene el apoyo policial con el que cuenta Batman, siendo que su único contacto oficial es el fiscal Scanlon.
La serie del Avispón, a su vez, se alejó del humor camp de Batman y no siguió la tradición del villano de la semana: los enemigos en este caso eran los mafiosos y los corruptos, lo que le daba un aire más realista.
Como tantas otras series, su música de apertura se convirtió en un clásico. En este caso, se trata de un arreglo modernizado de "El vuelo del moscardón", del rusoNikolai Rimsky-Korsakoff, interpretado por Al Hirt, que muchos años después sería utilizado por Quentin Tarantino en una escena de "Kill Bill Vol. I".


El vestuario del Avispón Verde constaba de un antifaz ostentando el insecto del que tomó su nombre, sombrero, guantes y sobretodo, mientras que Kato lucía uniforme negro de chofer, con gorra y antifaz, muy diferentes a los coloridos bati-trajes.
Incluso el armamento utilizado por el Avispón y Kato era más pesado que el del dúo dinámico: se desplazaban en un automóvil llamado Betsabe (Black Beauty en el original), que era un Chrysler Imperial 66. Se trata de un verdadero arsenal blindado rodante, equipado con un teléfono, cámara televisiva con seis kilómetros de alcance, lanzador de proyectiles, un dispositivo que desparramaba hielo sobre el camino y hasta unos cepillos tras las ruedas traseras que servían para borrar las huellas de los neumáticos.
Su patente era V194 y se guardaba debajo del convertible de Reid, sostenido por unas poderosas abrazaderas a una plancha rotativa que lo ocultaba bajo la superficie del garage.
Cuando se lanzaban a proteger a la ciudadanía, lo hacían atravesando unas compuertas trucadas que representaban una pareja besándose en un anuncio de caramelos mentolados, con salida a un callejón.
Sus armas manuales incluían un pistola de gas paralizante y un zumbador (sting gun) capaz de penetrar el acero.


La relación entre el Avispón y Kato era más bien la del empleado-patrón y su estilo de lucha cuerpo a cuerpo (apoyadas en las artes marciales de Bruce Lee) era más contundente que las acrobáticas maniobras de Batman y Robin.
Gracias a que ambas series pertenecían al mismo productor, los personajes tuvieron sus cruces. Fue así como Bruno Díaz y Ricardo Tapia aparecen mirando al Avispón en TV durante un episodio de "Batman", mientras que Reid devolvió el honor en un capítulo de "The Green Hornet". También, el Avispón y Kato aparecieron en la ventana durante una de clasicas escaladas en la batisoga en el episodio "The spell of tut " (28/9/66) y culminaron con el encuentro entre ambas duplas en "A pies of the action/Batman´s Satisfaction" (1 y 2/3/67), donde el Avispón y su ayudante viajan a Ciudad Gótica persiguiendo al villano Coronel Gumm.
El guión original indicaba que Robin y Kato debían pelearse, y que Robin resultaría ganador. Bruce Lee reaccionó airadamente, diciendo que nadie creería este resultado. Al final, la lucha quedó sin definición.


Durante el tiempo que estuvo en pantalla, "The Green Hornet" no fue una serie muy exitosa. Tengamos en cuenta que tenía que competir en la franja horaria con "Tarzan" y "The Wild Wild West". Además, la serie fue muy despareja porque a los guionistas les costaba encontrar la identidad del personaje: empezó como un vigilante nocturno, pero después tuvo un viraje hacia la ciencia ficción en la doble entrega "Invasion from outer space", de 1967 y se incluyó un bizarro villano llamado Firefly que participó en el último episodio.
En total, "The Green Hornet" tuvo una sola temporada de 26 episodios. Se intentó hacer una segunda temporada, pero las negociaciones no prosperaron.
La popularidad posterior alcanzada por Bruce Lee sirvieron para que la serie perdurara a través del tiempo adquiriendo la categoría de clásico de los 60.
El protagonista de la serie, Van Williams se alejó del mundo del espactáculo y compró un rancho en Idaho, vecino justamente de su viejo amigo Adam West (el actor que personificó a Batman en televisión). Suelen salir juntos de cacería.
A fines de los 90, Universal anunció que realizaría un film sobre el Avispón Verde, con George Clooney en el rol principal y la dirección del reconocido Michel Gondry, pero todo quedó en la nada.
Como dato interesante para los fans, podemos agregar que Van Williams aparece en la película "Dragon: the Bruce Lee story" (1993), personificando al director de "The Green Hornet".

HELLBOY IS BACK

HELLBOY vuelve a publicarse en Argentina. Los Lobos de San Augusto es el primer volumen de varios más que OVNI press publicará de la obra maestra de Mike Mignola. 

"Nadie recuerda la última vez que sonó la campana de la Iglesia en el pequeño y alejado pueblo de San Augusto. Pero ahora, misteriosamente, esta aldea balcánica ha sido erradicada de la noche a la mañana, dejando ciento sesenta y siete asesinatos brutales como saldo. Hellboy, el mundialmente famoso investigador de lo oculto, pretende terminar con una maldición de 780 años en esta historia de fantasmas, licántropos y capillas despedazadas."

Para leer un preview sigan el siguiente link:

http://ovnipress.blogspot.com/2009/07/hellboy-los-lobos-de-san-augusto.html

EL HOMBRE ARAÑA JAPONÉS

¿Alguna vez escuchaste hablar sobre el Spiderman japonés? Aunque parezca mentira existe, y su nombre es SUPADAIMAN. Es una de las creaciones más bizarras que he visto en mi vida, teniendo en cuenta que lo único que tiene en común con el Hombre Araña que todos conocemos es el traje y sus poderes.
La historia es muy simple: en 1978, la empresa Marvel (dueños de los derechos de Spiderman) firmó un acuerdo con la empresa japonesa Toei para utilizar el personaje sin restricción durante cuatro años. El resultado fue una serie de televisión titulada SUPAIDAMAN, que se estrenó en Japón el 17 de mayo 1978, protagonizada por el joven actor Kousuke Kayama, quien representó el papel de Takuya Yamashiro (tal es el nombre que le pusieron a Peter Parker).
Pues bien, hay que tener en cuenta que la empresa Toei recibía fondos de la fábrica de juguetes Bandai, y esta fábrica quería que la serie sirviera para promocionar sus productos y esto generó muchos cambios en la adaptación del comic a la televisión japonesa.

Veamos: en la versión japonesa, Supaidaman viene del espacio exterior, conduce un auto de carrera llamado Spider-Machine GP7 y se desplaza en una gigantesca nave espacial llamada The Marveler, que oportunamente se transforma en un robot gigante conocido como Leopardon.
La serie tuvo un total de 41 episodios de 30 minutos en color.
El principal enemigo del héroe fue un ejército interestelar conocido como Iron Cross Army, liderado por el Professor Monster (Mitsuo Andó), muy parecido al Dr. Doom de los comics de Marvel.
Lo más interesante es que este programa recorrió los caminos usuales del imaginario japonés, con monstruos y robots gigantes.
La producción de la serie tuvo unos cuantos problemas porque cuando estaban realizando el quinto capítulo, la empresa Toei se quedó sin presupuesto y las escenas con el robot Leopardon se repitieron hasta el hartazgo reutilizando lo ya filmado.

Si tenés curiosidad, podés ver algunas imágenes de esta rareza en Youtube.

Apertura: http://www.youtube.com/watch?v=mcxioU7AMM4&feature=related
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=3MxGtH-2duM&feature=related

(Datos aportados por Rafael Daloi)

PENELOPE - Sólo en cines

A tres años de su estreno en el hemisferio norte, llega a los cines porteños PENELOPE, protagonizada por Christina Ricci y James McAvoy (ese joven tan parecido a Ewan McGregor).
Se trata de un cuento de hadas moderno, con una heroína que nació con una nariz de cerdo como consecuencia de un maleficio familiar. La idea es que para vencer este maleficio, debe encontrar a un hombre que la acepte tal cual es. Bueno, con semejante premisa, podemos decir que esta película le va a gustar mucho a todas las lectoras de Cosmopolitan y Para Ti. También puede ser muy aceptada por la sociedad de los emos.
No obstante, PENELOPE bastante agradable. Es una película romántica como las de antes. No tiene grandes sorpresas, pero es llevadera, simpática y tiene buenas actuaciones.
El tema principal, obviamente, tiene que ver con aceptarse a uno mismo. O, como diría Christina Ricci: "Es una película que celebra el ser único, el ser diferente".

CRANK II - ALTO VOLTAJE

My name is Chev Chelios, and today is the day...

En abril de 2007, se estrenó "Crank - Veneno en la sangre", que tenía un argumento original: El asesino a sueldo Chev Chelios es inyectado con un veneno mortal que va a matarlo en menos de 24 horas y se ve obligado a recorrer toda la ciudad para encontrar a los responsables y, así, encontrar también el antídoto que lo salve. Claro que no será tan fácil,porque el veneno ya empezó a expandirse por su sangre y la única forma de mantenerse en pie consiste en aumentar su adrenalina constantemente. Así que en este caótico recorrido, el incansable Chelios prueba todos los métodos habidos por haber para mantenerse en un interminable estado de frenesí: pelearse con una pandilla, aplicarse electroshocks, hacer el amor con su novia en la calle, etc.
Es una película que consigue lo que se propone: entretener y pasar un buen rato.
Claro que este film no podría sostenerse si no fuera por la actuación y el carisma de Jason Statham (el nuevo Bruce Willis), acompañado por la hermosísima Amy Smart.


Bueno, hace poco se estrenó una secuela titulada "Crank II - Alto Voltaje". En este caso, un grupo de mafiosos extrae el corazón de Chelios colocando en su lugar un corazón artificial. Chelios debe recorrer toda la ciudad buscando su corazón y para mantenerse en pie necesita aplicarse grandes dosis de alto voltaje constantemente.
De a poco, van apariendo todos los personajes de la primera parte (incluyendo a Amy Smart que, para regocijo de los fans de la saga, se ha convertido en una stripper).
Sabiendo que la escena en la que Chelios y su novia hacen el amor en la calle fue una de las más recordadas del film anterior, los directores Neveldine y Taylor quisieron repetir la secuencia ambientando la situación en un hipódromo.
El resto es adrenalina pura. Tiene una estética muy (demasiado) alocada, con muchísimas disgreciones bizarras y efectimos de postproducción. Es una película que, supongo, le va a encantar a todos los jugadores del GTA.
En resumen, dos películas de culto protagonizadas por un actor de culto.
No creo que la segunda parte se estrene en los cines porteños, asi que les recomiendo que la consigan en DVD. Claro que, si tengo que elegir, me quedo con la primera. A la segunda le sobra alto voltaje.

SUMATE A LA MARCHA MUNDIAL

SUMATE A LA MARCHA MUNDIAL POR LA PAZ Y LA NO-VIOLENCIA
TODOS PODEMOS SER PARTE

POR QUÉ?
Porque el hambre en el mundo puede resolver con el 10% de lo que se gasta en armamento.
Porque eliminar las guerras y la violencia significa salir definitivamente de la prehistoria humana y dar un paso gigante en el camino evolutivo de nuestra especie.

CUANDO?
Comenzará en Wellington, Nueva Zelanda, el 2 de octubre de 2009 (aniversario del nacimiento de Gandhi) y culminará en Punta de Vacas, Mendoza, el 2 de enero de 2010.

QUIEN?
La Marcha Mundial es una iniciativa de Mundo Sin Guerras y el Movimiento Humanista.
Está abierta la participación de toda persona, organización, grupo que comparta la sensibilidad d este proyecto.

ADHESIONES EN ARGENTINA:
León Gieco, Gustavo Cerati, Gastón Pauls, Julio Boca, Maximiliano Guerra, Natalia Oreiro, China Zorrilla, Juana Molina, Vicentico, José Martínez Suárez, Patricia Sosa, Javier Calamaro, Federico D´Elía, Abel Pintos, etc.

Se realizará una Campaña de Adhesiones entre el 24 de julio y el 2 de agosto de 2009.

www.marchamundial.org

PRIDE AND GLORY - Sólo en cines

El nombre original es PRIDE AND GLORY, pero en Argentina se estrenó con el nombre de CÓDIGO DE FAMILIA. En muchos lugares, también se la conoce como CUESTIÓN DE HONOR.
Es un film que tuvo muchas idas y vueltas durante su producción. En un principio, iba a ser protagonizado por Hugh Jackman y Mark Whalberg, pero al final se realizaron unos cuantos cambios y el elenco protagónico quedó conformado por Edward Norton y Colin Farrell.
Pues bien, es un argumento que ya conocemos bastante bien. Hemos visto infinidad de películas parecidas. Tenemos una familia de policías que se ve envuelta en toda una serie de abusos y delitos. Como podrán imaginar, la familia se ve obligada a elegir entre la lealtad entre ellos o la lealtad al departamento.
Las relaciones familiares están muy bien resueltas, sobre todo el rencor que siente Norton (el policía honrado que no encaja en el sistema) hacia su padre (Jon Voight, que representa al policía respetable que ha mantenido sus excesos en la más absoluta intimidad).
Colin Farrell se luce como la oveja negra, el policía inescrupuloso y sediento de ambición que arrastra al resto de la familia a una encrucijada sin salida. Y también tenemos a Noah Emmerich (muchos lo recordarán por su papel del amigo bueno en TRUMAN SHOW), personificando a un policía que si bien no es tan honesto como Norton, tampoco es tan despiadado como el resto.
Esta película me hizo acordar mucho a un film muy olvidado de los ´90 llamado COP LAND, aquel policial con Robert De Niro, Ray Liotta, Harvey Keitel y Sylvester Stallone donde también predominaban los temas de la lealtad y los códigos.
Nada del otro mundo, pero es muy aceptable. Se deja ver, se puede disfrutar. Tiene muy buenas escenas y una correcta resolución. Lástima que sea tan larga.

INGLOURIOUS BASTARDS

Cada vez falta menos.
A fines de agosto llega el nuevo film de Quentin Tarantino, INGLOURIOUS BASTARDS, ambientado en la resistencia francesa durante la 2º Guerra Mundial.

AVE NEGRA - Sólo en cines

"Lo que quiero decirte, es que solamente saques el arma cuando estés pensando en matarlos ... y sepas que lo puedes hacer. Entonces te tomará solo un disparo. Es lo mismo que le pasa a un cazador, un tipo que sabe lo que hace... Un disparo, una muerte!

Mickey Rourke, Blackbird (KILLSHOT)

Veamos, la propuesta de por sí es bastante tentadora.

Tenemos una película de acción basada en una novela de Elmore Leonard, un escritor de culto, un especialista en el género. Un verdadero referente.

Tenemos un nuevo protagónico del renacido Mickey Rourke, que ha vuelto para quedarse, y está acompañado por un interesante elenco formado por Diane Lane, Thomas Jane y Rosario Dawson.

Tenemos la producción de Quentin Tarantino (no hace falta hacer comentarios al respecto, pues a esta altura Tarantino no necesita carta de presentación).

¿Qué puede fallar? Bueno, el director es ni más ni menos que John Madden, el responsable de ese gran fiasco del año pasado (Asesinato justo) y de otras horribles películas (88 minutos, Shakespere in love).

El planteo de la película está bastante bien y tiene todos los ingredientes necesarios para ser una obra más o menos aceptable, entonces, ¿por qué me resultó tan aburrida y monótona? Creo que la culpa es de Madden, indudablemente.

Asi que bueno, si me preguntas, te aconsejo que la dejés pasar para verla directamente en cable o en DVD. No vale la pena gastar una entrada de cine.

Me pareció un film muy menor, con un asesino a sueldo y un secuaz insoportable que le hacen la vida imposible a un matrimonio que está al borde del divorcio. Y no hay mucho más para contar.

Creo que lo único rescatable de este film es la brillante actuación de Mickey Rourke, que en esta oscasión encarna un personaje hecho a su medida: nada más ni nada menos que un asesino a sueldo reflexivo y atorementado, descendiente de indígenas. Se hace llamar Armand Vegas, pero su nombre indígena es Blackbird (Ave Negra, de ahi sale el titulo que le pusieron al film en Argentina). Un hombre con un pasado cargado de culpas, un presente inestable, un futuro incierto. Sin lugar a dónde ir, esperando una redención que nunca llega.

Bueno, eso es todo lo que tengo para decir de KILLSHOT.

A propósito de Tarantino, este año presenciaremos su regreso como guionista y director en INGLORIOUS BASTARDS (Basterds, segun Tarantino), protagonizada por Brad Pitt. Y en lo que respecta a Mickey Rourke, el próximo año tendremos el privilegio de verlo en la segunda parte de IRON MAN y en un film que promete ser un revival de los 80, se trata de LOS DISPENSABLES, protagonizado por un elenco ochentoso al máximo: Sylvester Stallone, Rourke, Arnold Schwarzenegger y Dolph Lundgren (más conocido como Ivan Drago en Rocky IV). Vale la esperar.

UP - Una aventura de altura

El estreno de UP fue hace más de un mes, y recien ahora escribo la reseña. La verdad es que estoy un poco atrasado con las reseñas cinematográficas. Intentaré ponerme al día.
Parecerá un lugar común, pero lo cierto es que no es nada fácil escribir sobre UP.
Quizás porque la experiencia de verla es imposible de explicar con palabras. Pero bueno, haré el intento.
Para empezar, digamos algo que a esta altura es una obviedad: PIXAR es una de las empresas más brillantes, originales y creativas de la historia del cine. Desde el estreno de TOY STORY hasta la fecha, no han dejado de sorprendernos con sus hazañas visuales.
El año pasado, PIXAR estrenó WALL-E que resultó ser una de las mejores películas del 2008. Parecía que los muchachos de PIXAR habían alcanzado su techo, su máximo logro, pero no fue asi.
Este año llegó UP y todos quedamos boquiabiertos ante semejante film: una buena historia, una excelente narración, personajes maravillosos y un largo etcétera. Una película hermosa, cargada de una belleza admirable. Es muy triste, y muy divertida, y muy emotiva.
Los primeros quince minutos del film merecen ser estudiados por todos aquellos que pretendemos escribir guiones. Sencillamente porque los primeros quince minutos de UP cuentan una historia de vida, desde la infancia hasta la vejez, usando muy pocos recursos, sin diálogos, con un montaje musical preciso y majestuoso.
El resto de la película es un despliegue de admirable talento. En gran parte, me hizo recordar a LITTLE MIS SUNSHINE, sobre todo por esa galería de personajes perdedores que encuentran un sentido a sus solitarias vidas.
Bueno, la cuestión es que estos tipos de PIXAR han demostrado, una vez más, que el cine de animación ha entrado en la Edad de la Madurez.

PD: No se pierdan este film. Y si tienen la oportunidad de verlo en 3D, no dejen pasar la oportunidad. Y si están bien acompañados en la sala, mucho mejor....

EVO MORALES Y HONDURAS

El presidente de boliviano, Evo Morales, acusó este lunes al Comando Sur de Estados Unidos de estar detrás del golpe de Estado en contra del presidente constitucional de Honduras, Manuel Zelaya y dijo que "la estructura del imperio sigue vigente" pese a la llegada del mandatario norteamericano Barack Obama.

"Quiero decir que lo que el año pasado tenía que pasar en Bolivia, un golpe civil, ahora está pasando en Honduras. Es una agresión, una provocación del imperio", aseveró Morales quien finalizó una visita a Montevideo para conversar con Tabaré Vázquez.

"Tengo información de primera de que el imperio, mediante el Comando Sur de Estados Unidos, hace el golpe de Estado en Honduras", afirmó.
"El imperio contra el pueblo. Y los pueblos históricamente derrotaron a los imperios", dijo el mandatario boliviano en rueda de prensa, quien llamó a "reflexionar cómo se vive en las dictaduras".

Morales y su par uruguayo Tabaré Vázquez manifestaron en un comunicado conjunto su "apoyo a la institucionalidad democrática" en Honduras, "al legítimo gobierno del señor presidente José Manuel Zelaya Rosales", y expresaron que "no reconocen a ninguna otra autoridad surgida de la situación de ruptura del orden constitucional en dicho país".

Morales afirmó que "tal vez no conoce a (el presidente estadounidense Barack) Obama, pero la estructura del imperio sigue vigente".

Asimismo, lamentó que "la cooperación de Estados Unidos siempre está condicionada, condicionada a privatizar los recursos naturales, a implementar un modelo neoliberal. Hasta los créditos que vienen del Fondo Monetario Internacional están condicionados a aplicar el modelo neoliberal".

"Lamento mucho decir que el gobierno de Estados Unidos nos quita las preferencias arancelarias observando la nueva Constitución política del Estado boliviano, observando la nacionalización de los hidrocarburos y tantos temas", y añadió que "antes, Bolivia recibía por gas 300 millones de dólares al año, ahora estamos con 2 mil millones de dólares al año. No nos asusta".

Vázquez y Morales firmaron un principio principio de acuerdo para que el país andino, mediterráneo desde 1879, acceda al mar Atlántico por puertos uruguayos en condición de libre tránsito y almacenaje liberado.